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在艺术馆里面看到静物画,发了一幅有月亮的画

2019-09-15 03:51

这幅画的创作在1908年冬天到1909年之间开始,地点位于画家的乡村住宅中,也许直到1912年才完成。整幅画看上去很简单,但是它展现了艺术史的一个转折点。其中有延展的蓝色墙壁、漩涡般的草地、红点和黑色的阿拉伯式花纹,《对话》体现出马蒂斯对于造型图案大师级的掌控,以及他创新使用颜色的方法。

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接续上一期介绍的《一张图掌握西方艺术发展脉络》,今天开始,继续介绍 Ad Reinhardt 的“如何观看”系列,首先是立体主义。开宗明义,Ad Reinhardt 在前言指出:

这里仿佛是一个剧场,一个舞台,不过在舞台上演出的不是戏剧,而是生命。博纳尔希望激励我们接受生存的美好。我们被从现实生活的限制中解放出来,走进这一片光明与自由。

圣女贞德,朱利斯·巴斯蒂昂·勒帕热,89.21.1

对话,亨利·马蒂斯(法国),约1909年,野兽派/早期现代主义,布面油画,177×217厘米,冬宫,圣彼得堡

艺术家喜欢选择有象征意义的静物。切花或腐烂的水果代表生命的无常。异国的贝壳象征着随财富而来的虚荣。使用象征,静物画可能从简单的谜题变成真正难以解答的谜团。如果有必要,可以拿出智能手机,搜索线索,了解艺术家使用多个物体想要传递的讯息。如果你觉得骷髅头或者蜡烛太简单了,试着解读一些当代的静物照片,这一定能让你遇到一些不那么容易搞懂的象征符号。

艺术君说明:

  • 《温迪嬷嬷讲述绘画的故事》 p327

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【说明:以上文字内容,部分译自《30,000 Years of Art》,纯属个人爱好,英文版权仍归原作者所有,转载请标明出处。by 郑柯-Bryan,扫描下方二维码,关注“一天一件艺术品”微信公众号。】

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图片 2小人手指——照相机能制作出更好的图。

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艺术清凉宜人。

art is cool.

穿着睡衣的男人,身着黑袍的女人,两人在花园前彼此相对。不考虑标题,似乎两人之间没有什么对话,画面强调的是颜色和造型图案,而非现实主义的叙事。也几乎没什么景深:那花园场景是通过窗户看到的吗?还是只不过是墙上的一幅画?亨利·马蒂斯(1869-1954)不想表现男人的轮廓(也许这就是自画像),他蓝色睡衣上的白色条纹仿佛就是画在墙上,而不是在人的身体上。椅子没入了色调强烈的空间。

真正的静物画家希望让事物有意义。他们希望让你投入进来,不是跟人物或者风景,而是跟物体和它们的本质建立联系。“复制物体没有意义,一个人必须描绘它们在他内心唤醒的情感。”画家亨利·马蒂斯这么说。效果最好的时候,一幅静物画能让你爱上枯萎的百合,完全感受到生命的易逝。

立体主义绘画,不是一张“图”,也不是墙上的一个框或者洞,而是挂在墙上的全新事物,是二十世纪初颠覆传统时空观念的一部分。它从多个相对的视角探索自己的世界(这是1908年,后来发展成抽象绘画,其中表现线条、颜色和空间只靠自己能做什么,能产生什么意义。)

【说明:以上文字内容由郑柯-Bryan编写,转载请标明出处。】

莉莉丝小姐,但丁·罗塞蒂,08.162.1

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【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

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纳比画派的画家都很推崇塞尚。博纳尔和维亚尔在其中也清晰可辨。博纳尔的风景画不仅是展现我们能够看到的景物,而且展示出这片风景给人的感觉。他由此跨入了一个新的境界——感知的世界。不仅如此,博纳尔将塞尚式的色彩的堂皇又向前推进一步,淡化了塞尚认为至关重要的凝重感。能成功做到这一点,已经使博纳尔堪称大艺术家。

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无论如何,总有人想要理解骷髅头、苹果和杯子的意义,而且也愿意得到一些帮助,以下三点能让你开始学着欣赏这个引人入胜的门类。

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毕加索和勃拉克为20世纪艺术的形状与造型的改变铺平道路,而马蒂斯则在20世纪早期的颜色革命中站在排头。马蒂斯已经在19世纪晚期发起了野兽派运动,他和同伴们拒绝印象派的和谐风格,转而拥抱凡·高和高更的亮丽色彩和线条造型,他们要创建更新鲜的现实。在他们的构图和对纯色的装饰性使用上,野兽派的目的是要表达感情,而不是事实。1908年的宣言中,马蒂斯写到:“表现和装潢是同一件事情。”

图片 9《虚空:有书、乐谱和骷髅头的静物》by 艾福特·柯利艾

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Stairs in the Artist’s Garden, Pierre Bonnard, 1942/1944, Oil on Canvas, 60 x 73 cm, National Gallery of Art, Washington D.C.

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Conversation, Henri Matisse(France), c.1909, Fauvism/Early Modernism, Oil on Canvas, 177 x 217 cm, State Hermitage Museum, St Petersburg

“风景来自稍纵即逝的一瞥和记忆,静物来自外形和图案的感官享受。”画家罗伯特·吉恩(Robert Genn)有言。不管这听上去多有诗意,如果你不是艺术家或者艺术史专家,在艺术馆里面看到静物画,你大概觉得自己就是在看一些物体而已。艺术馆以为:静物画地位重要;他们让它为自己代言。可这对游览者没什么帮助。

图片 11图中(从最左上角开始,逆时针翻译文字):杯子之外、上方视角、底部、右边、完整的、侧面视角、等等、颠倒视角、前面、内部、等等、碎片、后方视角、杯子周围的空间、左边、一半视角。

艺术家花园里的台阶,1942或1944年,布面油画,60 x 73厘米,国立美术馆,华盛顿

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从左往右来看这张图。最左边是希腊的爱奥尼亚柱式圆柱,在柱子后面伸出两个头,上面是亚里士多德,下面是欧几里得。亚里士多德在艺术论著《诗学》里面提出:艺术的本质是摹仿,艺术的摹仿比历史还接近哲学。欧几里得依靠几何对于事物、对于空间(请注意“空间”的概念对于 Ad 十分重要,后面还会讲到如何观看空间)精确的测量,以及由之而来的一环扣一环的严密逻辑,让文艺复兴以降的绘画有了可以实际操作的指导方针,让人们有了可以掌握眼前真理的“错觉”。他们旁边的牛顿胸像、头上的苹果同样如是。可是在艺术中,没有绝对的真理,就连时间也是可以被打破的。

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小人手指——比起你看到的,你知道的更重要,知道了吗?

这是博纳尔风烛残年的作品。和他创作过的许多卓越的“花园”主题的变体画一样,这幅画也是杰作。台阶向中间延伸,直到灼灼盛开的鲜花遮住我们的视线。鲜艳的色彩聚集到左边,春天的绿色像喷泉一样喷洒到右边。前方是光芒夺目的丛林,耀眼的金黄色和炽热的红色,头顶又是更多的鲜花——湛蓝的天空成为花园的背景。

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第四部分:

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